Tristania en México

Bienvenidos…

Esta vez se juntaron la reseña del concierto que dio Tristania con su nueva vocalista, Mariangela Demurtas, en el Hard Rock Live el 25 de mayo pasado, y la entrevista que les hice para Dark el día anterior. Helas aquí.

                                             

Tristania, siete años después

La última vez que estos noruegos estuvieron en nuestro país fue hace ya siete largos años. Muchas cosas han ocurrido en este tiempo, pero lo que ahora nos atañe es qué ha pasado con esta banda.

El día anterior a su presentación en el Hard Rock Live de la ciudad de México, minutos después de las 6 de la tarde el grupo llegó a una sesión de autógrafos que estuvo más bien floja, tal vez por falta de promoción, ya que todos los integrantes fueron muy amables, firmaron todo lo que se les dio y se tomaron fotos con quienes llevaban cámara para ese expreso fin.

Cuando se desocuparon un poco, tuvimos oportunidad de platicar con los principales vocalistas del grupo, Østen Bergøy y Mariangela Demurtas.

Mary, para quien ésta fue su primera visita, dijo que la gente de México es maravillosa, encantadora y cálida, y que en especial en Monterrey todos estaban muy emocionados de ver la respuesta del público.

Por su parte, Østen comentó que siempre es mejor hacer giras solos, porque por ejemplo la última vez que vinieron fue con los traseros de Kreator, y el público, desde luego, estaba muy dividido, así que la respuesta no puede ser la misma.

Desde luego, hubo que hacer la pregunta obligada:

- ¿Por qué se fue Vibeke? La versión “oficial” (al menos la que corre en internet) es que dejó el grupo para enseñar canto.

- ¿Versión oficial? ¿Cuál? No, no crean todo lo que leen en internet. Lo que pasó es que Vibeke ya no quería salir de gira tanto como los demás, y bueno, eso no funciona. Cuando ya no haces las cosas con el corazón, es mejor dejarlas por la paz. Así que se fue.

También nos comentó que desde el principio tuvieron en mente que no querían otra vocalista que sonara como Vibeke, así que después de muchos demos recibidos y muchas entrevistas, decidieron que Mary era exactamente lo que querían. “La identidad es tan importante como la voz, y ella tiene una personalidad fuerte, justo lo que queríamos”.

Mary, por su parte, dijo que le encantó ser elegida como la nueva voz de Tristania, y que se había dedicado a aprender las canciones y mejorar su estilo todo lo que pudiera para obtener el puesto.

También por supuesto debimos preguntar sus planes a futuro, y esto es lo que Østen respondió

- ¿Ya tienen planes para grabar un nuevo álbum o van primero a terminar la gira y descansar un poco?

- Ya hemos dado 12 o 13 conciertos aquí en México, falta uno (el del día siguiente) y uno más en la República Checa. Después vamos a tomarnos un tiempo.

Y como ya se nos acababa el tiempo y el manager nos lanzaba unas miradas un tanto significativas, pues había llegado más gente que esperaba un autógrafo, sólo nos quedó preguntar finalmente cuáles eran sus palabras finales para los fans mexicanos. La respuesta fue prácticamente al unísono por parte de ambos, y por demás concisa: “¡Nos encanta México!”

Desangelado regreso

El día siguiente, domingo 25 de mayo, marcó el final de la visita de estos noruegos por tierra azteca con un tristemente desangelado concierto en el Hard Rock Live.

Lo primero que nos extrañó fue que no estuvo el tecladista. Todas las partes que le corresponden fueron con pista, y esto fue notorio desde el inicio del evento, ya que después de una corta introducción sampleada, la banda salió poco a poco al escenario para iniciar el concierto con Libre, corte que abre su álbum Ashes.

Fue una presentación variada, eso no se puede negar, en la que Tristania interpretó temas de todos sus álbumes. Algunos recibieron más atención que otros, cierto, pero todas sus producciones vieron presencia esa noche.

La gente estuvo por demás aguada y sólo los más fervientes seguidores del grupo brincaban, gritaban y cantaban, pero el grueso de los asistentes parecía que había asistido a un concierto de la sinfónica. Sólo aplaudían al final de las canciones, y hasta eso parecía por compromiso.

Inmediatamente después de Libre vino Beyond the Veil, y fue entonces que notamos sin lugar a dudas la diferencia de estilos entre Mary y Vibeke.

El resultado, desafortunadamente, es el mismo que con las voces de Tarja y Anette (de Nightwish). Mary no es capaz de interpretar las canciones que fueron escritas para la voz de Vibeke, y en esta ocasión en especial, como Tristania aún no ha grabado nada con Mary, ni siquiera hay punto de referencia para saber si en futuros temas sonará mejor. Lamentablemente es imposible no establecer comparación. Claro que sin contar ese detalle, la presentación de la banda fue impecable, todo lo demás sonó como se debe.

Aun así, Beyond the Veil fue una de las canciones más aclamadas… aunque esto no es mucho decir.

A continuación vinieron Circus, The Ravens y Angina, que fue tal vez el punto alto de la noche, pues Mary hizo su mayor esfuerzo y logró tocar las notas altas del tema, con lo que el que es uno de los mayores éxitos del grupo tuvo una interpretación cercana a lo que esperábamos en vivo.

World of Glass fue otro de los cortes mejor ejecutados, y después de la calmadita Shadowman, Østen presentó a la banda (confirmando sin lugar a dudas que el tecladista, Einar Moen, no estuvo presente en el concierto).

Lotus, Tender Trip on Earth, Mercyside y Sacrilege marcaron el final del concierto, y Down fue anunciada como la última canción de la noche.

Al parecer la gente no había estado aburrida sino distraída, porque cuando la banda se fue tras bambalinas comenzaron los gritos y los cánticos de “¡Tristania! ¡Tristania!”

Y claro, como los artistas se deben a su público, Tristania salió de nuevo para interpretar The Wretched, y finalmente Angellore, único corte que ofrecieron de su primer álbum, pero sin lugar a dudas la manera perfecta de cerrar el concierto.

Nota de Michael Kiske

Bienvenidos…

En esta ocasión les tengo un post muy especial, que merece que les cuente la anécdota completa: Cuando compré el nuevo disco de Michael Kiske (exvocalista de Helloween), Past in Different Ways, estaba yo leyendo el booklet, y después de las letras de las canciones, pero antes de los agradecimientos, tenía una muy extensa nota, que me dediqué a leer con detenimiento, y al terminar decidí que semejante texto debía estar en mi blog. Fue así que le mandé un mensaje por medio de Myspace solicitando su autorización para traducir y postear sus palabras en mi blog. El hecho de que estén ustedes leyendo esto significa, desde luego, que ¡me dijo que sí!

 Así que lean y mediten estas palabras, por favor. Porque de veras que es un mensaje que merece ser tomado en cuenta.

Algunas aclaraciones antes de entrar de lleno en el tema:

Primero, el primer párrafo es un monobloque enooorme porque respeté la sintaxis original (así de largo era el primer párrafo).

Segundo, agradezco a Michael Kiske por su autorización y apoyo para poner este texto en mi blog, aun cuando no es algo que yo escribí. Cada palabra viene de su inspiración. Yo sólo lo hice accesible para aquellos que no tienen el disco y lo traduje al español.

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Si alguien paga por un CD hoy, especialmente entre los jóvenes, lo mirarán casi como si estuviera loco. Dicen “¡yo te lo puedo quemar!”, o si les gusta una canción preguntan “¿de dónde la puedo bajar gratis?”, etc. ¡La ignorancia social aquí es de verdad sorprendente! Cientos de miles de personas que trabajaban para las disqueras, editoras, etc. han perdido sus empleos y diario les siguen más. En todas partes los músicos ya no pueden continuar en el medio como profesionales. La copia y descarga ilegal de música se ha vuelto tan grave que se ha vuelto casi imposible producir buenos discos, y especialmente los artistas más idealistas, que no quieren volverse simples “rameras de la industria” están enfrentando tiempos difíciles. Muchos se convierten en “guerreros de fin de semana”, no les queda de otra, y como nuestras energías siempre están limitadas, la calidad de su música también lo reflejará tarde o temprano. ¡Pero a nuestras nuevas generaciones no parece importarles! Siempre encuentran excusas baratas como: ¡de todas formas todos los músicos son ricos! Lo cual es falso en la mayoría de los casos, pero aun cuando es cierto para las bandas y los artistas más exitosos, tampoco hace ninguna diferencia, porque si bandas grandes como U2 ya no venden suficientes CD’s también ellos perderán sus contratos Y no deberíamos esperar que todas las bandas formen sus propias disqueras sólo porque tienen el dinero para hacerlo. ¿Y en todo caso por qué lo harían si nadie cree que valga la pena comprar sus CD’s? Así que aun si algunos artistas son ricos, sus vidas privadas no están en peligro pero dejarán de hacer CD’s si no venden: de esta manera el que nosotros obtengamos música de ellos está en peligro. Pero cualquier cosa que yo diga aquí a las nuevas generaciones no parece importarles. Parece que ya no hay conciencia social. Si pueden ahorrarse unos cuantos pesos se roban la música que quieren escuchar, sin importarles nada más. Esas generaciones ya no aprecian un disco bien producido, así que la MÚSICA-COMIDA RÁPIDA es la solución que se le ocurrió a nuestra industria musical. Como ya (casi) nadie compra CD’s, las disqueras grandes comenzaron a “diseñar” completamente a sus llamados “artistas” para sus mercados, con el fin de aumentar las ventas un poco más. ¡PERO LAS DISQUERAS Y LOS MERCADOS NUNCA “DISEÑARÁN” A LOS ARTISTAS! ¡LOS ARTISTAS LIBRES Y LA MÚSICA DE VERDAD DEBEN CONSTRUIR LOS MERCADOS! ¡Ésta es la única manera de que exista una cultura musical sana! Cuando lanzas un álbum, desde luego que éste se convierte en un producto, ¡pero la música en sí nunca debería ser sólo un producto diseñado con una mentalidad mercadológica! La música debe ser siempre una libre expresión del corazón. “Si no escuchas a tu alma en tu música, tu música no tiene alma”. Es así de simple. Pero como lo opuesto de lo que es artísticamente correcto se ha vuelto la regla, la mayor parte de la música exitosa hoy en día no es nada más que un producto plano, falso, sin alma, técnicamente bien ejecutado, con un alma hambrienta de dinero tras varias máscaras (y esto ocurre en todos los estilos y en todas las escenas musicales). Tal vez los artistas que ya no tienen suficiente apoyo por parte de los amigos de su música dejarán de producir discos por completo y sólo tocarán en vivo hasta que producir álbumes se aprecie de nuevo. La verdad es que ya no vale la pena en la mayoría de los casos. Si nuestras nuevas generaciones no pueden (o no quieren) conservar viva una cultura musical fructífera y prefieren matarla lentamente, simplemente no merecen la música.

A mí, como productor de discos, en general no me gusta el MP3, así que no soy dado a descargar música para nada (incluyendo música descargada legalmente). ¡Esto es porque el MP3 simplemente suena horrible! Suena impresionante viendo la reducción de datos en mp3, pero comparado con el original las frecuencias altas desaparecen, la fidelidad queda distorsionada y toda la variedad desaparece. Ya deberíamos haber progresado al SACD[*] (5.1) en lugar de ir retrocediendo en calidad al MP3.

Con la era de las descargas por internet también hemos perdido otros hermosos elementos de nuestra cultura musical moderna. Estoy hablando del arte de los CD’s, las letras, orden de canciones, álbumes conceptuales, etc. Recuerdo cuando era joven y compraba un disco, a veces había canciones que no entendía (no me gustaban) de inmediato. Pero después de un tiempo resultaban ser verdaderas perlas. Y si la gente hoy sólo descarga lo que le gusta (entiende) de inmediato, el elemento de cultivarse y aprender algo nuevo en música está desapareciendo por completo. Así es como Mammon[+] lentamente corrompe toda la verdad y los valores de nuestra cultura.

Me gustaría agradecer a Sebastián Vollmer y Jutta Bartonek por todo su apoyo, y en general a todos los que me apoyan, a mí y a mi música.

Michael Kiske

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[*] Super Audio CD (N. del T.)

 

 

[+] Demonio representativo de la Codicia (N. del T.)

 

 

 

Tristania

Bienvenidos…

Hace ya unas semanas que no había nada nuevo, pero he aquí el artículo de Tristania que salió en Dark hace un par de números.

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Un mundo de luto y cenizas

Las bandas cambian de miembros a cada rato. Muchas veces no notamos el cambio, ya que un do en una guitarra es un do, no importa quién lo toque. Claro que se puede dar el caso de que el nuevo miembro sea mucho mejor o mucho peor instrumentista que el que se fue, y entonces el cambio será más notorio.

Pero hay dos casos que son particularmente azarosos tanto para la banda como para el público: cuando se va el principal compositor y/o letrista, y cuando se va el vocalista. En ambos casos el cambio rompe esquemas. Si se va el compositor (y/o letrista), el grupo se ve en la disyuntiva de si intentar imitar el estilo del integrante que ya no está o simplemente acogerse a lo que logre la creatividad de los miembros restantes y el nuevo.

Si se va el vocalista, quien lo reemplace tendrá no una, sino dos reputaciones que proteger: la suya como cantante y la del grupo al que acaba de llegar.

El público, por su parte, se llena de expectativas: ¿Será el nuevo sonido de la banda igual de bueno ahora que se fue el compositor o perderá ese algo que la hacía tan especial? ¿El nuevo vocalista llenará los zapatos del anterior? ¿Cantará parecido para continuar con el mismo sonido? Si no, ¿cómo sonarán las canciones con la nueva voz?

Le ocurrió a After Forever cuando se fue Mark Jansen, le pasó a Christian Death cuando salió Rozz Williams, sucedió con Theatre of Tragedy cuando Liv Kristine abandonó sus filas (y de acuerdo con declaraciones de ella, ni siquiera le avisaron que la habían sacado de la banda), le acaba de suceder a The Gathering, con la salida de Anneke, y a Nightwish, con la de Tarja…

Y van dos veces que le ocurre a Tristania.

Prólogo – el origen de Tristania

El nombre de Tristania es más que probable que haya sido inspirado por la historia de Tristán e Isolda, en la cual Tristán iba a pedir la mano de Isolda, la Bella, para su tío, Mark, rey de Cornwall, pero debido a la acción de una pócima mágica, se enamora de ella. Isolda se enamora también de él, y juntos viven un amor ilícito que culminará con sus muertes. En una versión de la historia, Mark mata a Tristán con una lanza envenenada al enterarse de su traición. En otra, la más conocida, Tristán es desterrado y se casa con (otra) Isolda, la de las Manos Blancas. Defendiendo a una doncella, Tristán es envenenado y envía a su amigo Kahedin a buscar a Isolda la Bella, con la intrucción de regresar con velas blancas en su nave si la trae, y negras si no. Kahedin regresa con velas blancas, pero su celosa esposa, Isolda, la de las Manos Blancas, le dice a Tristán que son negras. Tristán muere de tristeza, y cuando Isolda la Bella llega a su lado muere también de dolor.

La idea para crear esta banda nació de la mente de Morten Veland, Einar Moen y Kenneth Olsson, a finales de 1996, en Stavanger, provincia de su natal Noruega. En lo que se tardaron en fraguar bien y moldear el concepto llegó el nuevo año, por lo que oficialmente Tristania nació en 1997. Cuando Anders H. Hidle, Rune Østerhus y Vibeke Stene llegaron, el círculo quedó completado y el 1º de diciembre de ese año lanzaron su demo.

Capítulo I – En el principio, el Luto de la Viuda

Napalm Records se interesó de inmediato en el sexteto y les dio su primer contrato discográfico.

Widow’s Weeds, lanzado en 1998, es el álbum debut de Tristania. Lleno de atmósferas melancólicas con violines y coros, contrastadas por guitarras lentas y pesadas, voces guturales y muy de vez en cuando una voz masculina limpia, es tal vez el trabajo más “gótico” de estos noruegos, y el que los puso en el mapa como uno de los mejores exponentes del naciente estilo.

Widow’s Weeds es un álbum semiconceptual en que no precisamente cuenta una historia per se, sino que incluye uno de dos temas en cada una de las canciones que componen el disco: el anhelo de volver a ver a un amor perdido, o a una amante, aparentemente sobrenatural, que llega con la noche. Es probable que las letras tengan relación, aunque no muy estrecha, con la historia de Tristán e Isolda.

Capítulo II – Qué hay Más Allá del Velo

Sin dejar que su éxito se enfriara, en 1999 Tristania rompió el silencio nuevamente con su sencillo Angina, dando paso a Beyond the Veil, su segunda producción discográfica. Menos melancólico, pero al mismo tiempo más atmosférico y pesado, Beyond the Veil daba la sensación de estar escuchando una historia épica, cuando Widow’s Weeds fue un álbum melancólico, que transimitía tristeza y desolación. Beyond the Veil es considerado por muchos el mejor que la banda ha hecho en su historia, y es además el último que contó con la participación de Morten Veland.

Esto provocó un gran impacto entre sus seguidores, porque Morten era no sólo el que componía la mayor parte de las melodías, sino las letras, era el guitarrista y además se encargaba de las voces guturales. Fue como si Tristania hubiera perdido su esencia.

Morten declaró más tarde que fue despedido de la banda después del lanzamiento de Beyond the Veil debido, según los miembros que se quedaron en Tristania, a “diferencias sociales y musicales”.

Capítulo III – Vivir en un Mundo de Cristal

Dos años transcurrieron. Como sucede tan a menudo en un caso como éste, muchos pensaron que el grupo se desintegraría, pero no fue así.

World of Glass fue un álbum muy diferente a lo que Tristania nos tenía acostumbrados, posiblemente debido a que la principal mente creativa del grupo ya no estaba, pero también cabe la posibilidad de lo contrario. Sin Morten, el resto de la banda ya no tenía restricciones para experimentar con un nuevo sonido, y eso fue el tercer álbum de Tristania.

Todas las voces guturales del disco corrieron por cuenta de un cantante invitado: Ronnie Thorsen, líder de Trail of Tears; y Østen Bergøy, quien fue vocalista invitado en los álbumes anteriores, encargándose de las voces limpias, se unió por fin como miembro oficial.

2001 vio también el resurgimiento de Morten Veland en la escena, pues fue en ese año que formó Sirenia… pero ése es un tema aparte.

Capítulo IV – Resurgimiento de las Cenizas

Todo lo que tiene un inicio debe tener un final. El contrato de Napalm con Tristania expiró, y es así que en el 2005 el grupo estrena sello, álbum, integrantes, sonido y hasta logo. SPV es la compañía que ganó los afectos de la banda, y con ella continúan hasta la fecha.

Ashes fue un trabajo incluso más experimental que World of Glass, con algunas de las voces más crudas que Tristania ha empleado, y al mismo tiempo haciendo extenso uso guitarras acústicas, dándole al álbum un sonido algo dispar y una sensación de que es prácticamente acústico. Abandonando completamente los coros, Vibeke también se olvida del tono operístico y canta la mayoría de sus partes con voz normal. Por otro lado, tenemos al nuevo vocalista “extremo”, como ellos le llaman, Kjetil Ingebrethsen lo cual representa otro cambio en el sonido del grupo. Las voces limpias han sido reducidas en gran medida, y son reemplazadas por gritos en una vena un poco más blackmetalera. Además, los violines que eran parte esencial del sonido de Tristania también hicieron mutis, para dar lugar a melodías de cello.

Como dato curioso, dos de las canciones de Ashes fueron escritas por el webmaster del sitio oficial del grupo, Kjartan Hermansen: Libre y Circus, y además The Wretched está parcialmente basada en un poema que Hermansen escribió.

Además fue con Ashes que Tristania por fin pareció encontrar un logo propio. Nunca, en casi una década de carrera, el grupo conservó el mismo logo. Widow’s Weeds tiene una tipografía que se ve antigua, con ramas como de enredadera, muy acorde a lo que fue el álbum; Beyond the Veil tiene letras como de piedra, con la T central en forma de espada de Odín, bastante vikingo el asunto, y la tipografía en World of Glass es muy cuadrada, casi como letras de computadora ochentera.

Finalmente, Ashes vio nacer el único logo que la banda ha usado en dos álbumes, lo que lo convierte en el más usado por ellos. Letras poco estilizadas, con la tilde de la “i” rodeada de una flama y una brizna de enredadera, como recordando sus orígenes, es el diseño elegido.

Capítulo V – Y por fin, la Iluminación

Este mismo diseño fue utilizado en su más reciente álbum, Illumination. En abril del 2006, Kjetil Ingebrethsen, que estuvo con Tristania sólo en un álbum, abandonó el grupo para perseguir una carrera musical independiente.

Illumination vio la luz el 22 de enero del 2007, y el 27 de febrero de ese mismo año será recordado como el día en que la banda vivió su segundo rompimiento fuerte, pues ésa es la fecha en que Vibeke decidió dejar el grupo con el que estuvo por una década.

Contrariament a lo que ocurrió con Morten Veland, que fue corrido del grupo que él creó, Vibeke se fue en buenos términos: ella decidió dejar a Tristania para enseñar canto.

Vibeke casi no ha utilizado su estilo operístico en años, pero en esta ocasión es poco menos que inexistente. A cambio de esto, en un gran número de los cortes del álbum podemos escucharla cantando con un tono casi fantasmagórico, que es acentuado por efectos dados a su voz. Tristania había dicho desde que salió Kjetil que no lo iban a reemplazar, sino que las voces “extremas”, como ellos las llaman, correrán por parte de vocalistas invitados.

Y lo cumplieron. En Illumination prácticamente no hay voces guturales, y las pocas que sí están presentes son ejecutadas por Vorph, de la banda Samael.

Epílogo – una nueva era

Poco más de medio año transcurrió para que Tristania anunciara a su nueva vocalista: el 19 de octubre del 2007 el mundo se enteró de que la italiana Mariangela (“Mary”) Demurtas tomó el lugar que dejara Vibeke, y se enfrentará al reto de llenar los zapatos de ésta.

Será una tarea difícil, pues la voz de Mariangela es completamente diferente a la de Vibeke, al grado de que podríamos establecer como comparación el caso de Nightwish: la voz de Anette es el polo opuesto de lo que es la de Tarja. Mary Demurtas tiene la voz como Anette. Vibeke la tiene como Tarja. Todo un reto en verdad, pero ya tendremos oportunidad de juzgar, pues Tristania regresará a nustro país después de varios años de ausencia, y Mary tendrá oportunidad de demostrar que merece el puesto que ocupa. Esperemos que le haga honor.

Nightwish en el Salón 21

Bienvenidos…

Ésta fue la reseña del concierto que dio Nightwish en mayo pasado en el Salón 21 (ahora llamado Vive Cuerno, digo Cuervo, maldito capitalismo que le pone nombres comerciales a todo! al rato el Circo Volador se llamará algo así como “Cine Marlboro”, caramba). Publicada originalmente en Dark.

                                           

El nuevo y… ¿mejorado? Nightwish

Los temores de los fans se confirmaron la noche del pasado viernes 2, y del sábado 3 de mayo.

Nightwish se presentó en el Salón Vive Cuervo, con nueva vocalista después de haber despedido a Tarja por diva en el 2005, y si bien Anette Olzon tiene muy buena voz, es tristemente claro que no le llega al tono necesario para las canciones anteriores de la banda.

Nightwish interpretó casi todo el nuevo álbum, comenzando por Bye Bye Beautiful, y para que la gente se sintiera en territorio familiar el segundo corte de la noche fue Dark Chest of Wonders.

Después vinieron Whoever Brings the Night, The Siren y The Amaranth. Aparentemente a estos finlandeses ya les había dado calor, porque se escondieron un par de minutos tras bambalinas, y cuando salieron vino una pequeña sorpresa para el público: The Islander, canción que por su naturaleza acústica no era muy seguro que escucháramos. Pero así fue.

Marco Hietala se sentó en una silla en el centro del escenario y comenzó a cantarla con su guitarra. Como la cosa ya se estaba poniendo solemne salió Anette portando un sombrero de charro y en los últimos acordes de la canción se lo quitó y se lo puso a Marco en la cabeza.

Fue entones que la noche volvió a subir de tono con la épica The Poet and the Pendulum, que tocaron entera, e inmediatamente después llegó uno de los temas más esperados: Sacrament of Wilderness.

La instrumental Last of the Wilds, Sahara y Nemo marcaron el final del concierto, y cuando la gente los vio despedirse y salir del escenario sí hubo quien se quejó de que duró muy poco, sólo una hora y cuarto.

Claro que no se fueron así nada más, regresaron para interpretar 7 Days to the Wolfs, Wishmaster, que todo mundo pedía a todo pulmón, y finalmente Wish I Had an Angel. Con esto se reivindicaron, completando una hora y media exacta de presentación.

Habiendo escuchado tres canciones de Once (álbum anterior y último con Tarja) y dos de los temas más clásicos del grupo podemos decir con triste certeza que los temores de los fans se confirmaron: Anette tiene muy buena voz, gran presencia escénica… pero no alcanza los tonos necesarios para interpretar las canciones que hicieron famoso a Nightwish.

De cualquier forma, esto no significa que haya sido un concierto mediocre, al contrario, no sólo la gente salió encantada y coreó todas las canciones, nuevas y no tanto, sino que la banda misma no está ciega a las limitantes que el cambio de voz les acarreó. Sólo tocaron los temas más indispensables, y se enfocaron al nuevo álbum.

Aunque una cosa sí hay que reconocer: en voz de Anette los temas de Once suenan mucho mejor de lo que sonaban con Tarja. Lástima que eso sólo prueba que el Once ya no fue un disco escrito para ella.

Megadeth y sus Abominaciones Unidas

Bienvenidos…

De nuevo, esta nota debió salir y no salió en El Economista, así que es exclusiva.

                                               

Megadeth regresó a México después de muchos, pero muchos años (ha pasado más de una década desde su última visita) y cimbró el Salón Vive Cuervo desde que salió al escenario hasta que las luces se encendieron al final del concierto.

Hubo pocos cortes de su nuevo álbum, United Abominations, y muchos de los que hicieron de ésta una de las bandas más influyentes de este tipo de música.

Los acordes de “Wake Up Dead” (tema ya antiguo, de su segundo álbum) dieron inicio a la noche. Después de “Skin o’My Teeth” siguió “Washington is Next!”, uno de los temas nuevos, que a pesar de ser muy bueno poca gente coreó.

Sin grandes despliegues histriónicos y con muy poca interacción con el público, pero con una actuación que no dejó nada que desear, “The System has Failed”, “In My Darkest Hour” y “Gears of War” (canción inspirada, por cierto, en el videojuego del mismo nombre) fueron recibidas con gritos y ovaciones, pero extrañamente para un público thrashero, “À Tout le Monde” –canción bastante fresa dentro del contexto– fue uno de los temas más coreados y aplaudidos de toda la noche.

Para estos momentos, aunque no lo parecía ya había transcurrido más de una hora, y llegamos a una racha de temas ya añejos pero clásicos, uno tras otro: “Ashes in Your Mouth”, la excelente “Symphony of Destruction” y “Sweating Bullets” marcaron la recta final del concierto.

Cuando la banda volvió a salir interpretó “She-Wolf” y el tema que todos habían esperado por casi dos horas, y el cual es tal vez el más emblemático de Megadeth: “Peace Sells”.

Finalmente, después de salir por segunda vez y tocar “Holy Wars” y despedirse del público, Dave Mustaine se puso a lanzar besos a la audiencia… al parecer es cierto que lo valiente no quita lo cortés (¿o era al revés?).

¡¡Viene Megadeth!!

Bienvenidos…

Esta notita salió publicada ayer en El Economista, y así debería ser, que salieran con tiempo para que también aquí las pueda postear con antelación! 

                                              

Megadeth nos visitará en su Tour of Duty

En la década de los 80 surgió lo que en esos años fue la música más pesada del mundo: el thrash metal, género que combinaba la técnica del heavy (requiere técnica, aunque no lo parezca) y la velocidad y agresividad del punk. Cuatro son las bandas que hicieron famoso este género: Metallica, Anthrax, Slayer y Megadeth.

Esta última agrupación tiene su origen cuando Metallica decidió que el guitarrista Dave Mustaine cuando bebía se ponía muy loco, incluso para ellos, y lo despidieron. Así, Mustaine formó su propio grupo, al cual llamó Megadeath, (un millón de muertes o gran mortandad), pero luego le quitó la “a”.

Fue así que comenzó una de las rivalidades más abiertas y de mayor longevidad del heavy metal entre Dave Mustaine y Lars Ulrich y James Hetfield, de Metallica, la cual continúa hasta la fecha.

Megadeth fue uno de los cuatro grandes del thrash hasta 1994, cuando con su álbum Youthanasia tomó un giro un poco más clásico, y a partir de entonces ha hecho un heavy metal más clásico.

Las canciones de Megadeth siempre han sido muy políticas, con letras que frecuentemente hacen referencia a la guerra y sus consecuencias, y en últimos años Mustaine, que en el 2004 anunció que se había convertido al cristianismo, ha incluido temas más personales en sus álbumes.

En este 2008 se cumplen 25 años de que el concepto de Megadeth fue creado, y estos californianos vendrán a México como parte de su “Tour of Duty” para presentar su más reciente álbum, United Abominations, en el Salón Vive Cuervo, donde podremos seguramente escuchar absolutos clásicos de estos rockeros (y del thrash) como “Peace Sells” y “Symphony of Destruction”, y por supuesto temas más recientes como “Gears of War” y “Washington is Next!”

La fecha para este evento estaba marcada como este miércoles 18 de junio, pero los boletos volaron, por lo que se decidió abrir una nueva fecha, el jueves 19.

Avantasia en el Circo Volador

Bienvenidos…

He aquí otra exclusiva de la Cámara de la Tortura, para que no digan que sólo pongo refritos

                                              

 

Justo antes de que comenzara el concierto de Avantasia se soltó una lluvia torrencial que sólo sirvió para que los que estábamos afuera formaditos (o llegando) nos empapáramos de pies a cabeza (y miren que lo que llovió no fueron papas, sino agua).

El caso es que la banda salió temprano al escenario. El boleto decía 8 de la noche (ok, decía 20:00 horas, pero es lo mismo) y en lugar de estar esperando hasta las 9, como es la costumbre, sólo tuvimos que esperar 15 minutos. Eran las 8:15 aproximadamente cuando comenzó el asunto.

Lo primero que notamos (que noté) es que el bataco NO era Eric Singer. ¿¡Qué onda!? Tal vez no sea el mejor baterista del mundo, pero por cuestiones nostálgicas, habría sido bueno ver al hombre que ha tocado con KISS y Alice Cooper. En su lugar estaba Felix Bohnke, de Edguy. En fin. Segundo, sabíamos que no iba a venir el ejército de invitados que los álbumes han tenido (no creo que nadie esperase ver a Alice Cooper, Kai Hansen, Michael Kiske o a Sharon Den Adel, siendo que todos tienen otras prioridades, como sus propias bandas) pero fue una muy agradable sorpresa ver que Tobias Sammet no fue el único vocalista.

Además de Amanda Somerville, cuya voz en vivo la verdad no es nada impresionante, estuvieron André Matos, exvocalista de Angra y de Shaman, y Jørn Lande, exvocalista de Masterplan. 

En fin, el concierto en sí estuvo genial, tocaron canciones de TODOS sus discos: Abrieron con Twisted Mind y siguieron con The Scarecrow. Después interpretaron Reach Out for the Light, con todo y el preludio, y a continuación vino lo único que puedo considerar el punto bajo de la noche: No sólo soltaron demasiado pronto Another Angel Down, con el vozarrón de Lande, sino que no sé quién tuvo la genial idea de aumentarle el tempo. La canción iba hecha la raya, apenas se le entendía (digo, qué puedes esperar cuando a una canción rápida de power metal le aumentas el tempo un 50%). Lástima, de veras.

Fuera de eso, fue un setlist excelente: de The Metal Opera parte I escuchamos Serpents in Paradise, Farewell y Sign of the Cross, que fue la última pieza de la noche… aunque no exactamente, porque a la mitad de la canción, cuando todos los vocalistas estaban ya en el escenario haciendo reverencias y despidiéndose, los acordes se convirtieron en los de The Seven Angels, que por ser una canción larguísima (casi 15 minutos) no tocaron completa, claro. Pero gue un muy buen detalle.

De la segunda parte de The Metal Opera interpretaron No Return, The Looking Glass y desde luego (no podían no tocarla) Avantasia. Y como “bonus track”, porque Tobias lo anunció claramente, nos regalaron The Story Ain’t Over, del EP Lost in Space parte 1. Aclaró que era una canción extra porque la han tocado en Europa con gente que no vino a México, así que podían saltársela o simplemente la cantaba él. Y qué bueno que la cantó. Es un rolón. Del otro EP de Lost in Space (la parte 2, claro) el tema elegido para interpretar fue Promised Land.

También interpretaron Shelter from the Rain y Lost in Space, del nuevo álbum, pero indudablemente lo mejor de todo el concierto fue I Don’t Believe in Your Love. ¡Qué roll on -digo rolón-, señores, qué bruto! :’( (todavía me duele el cuello del headbanging ;P) y para el encore, aun antes de que todos estuvieran en el escenario de nuevo, ya se escuchaba el intro de The Toy Master, que en el disco canta Alice Cooper. La cantó Tobias junto con André, pero aun así, qué buena rola. Ya después, claro, vino Sign of the Cross/The Seven Angels, que fue lo último, como ya había mencionado.

Por cierto que ya bien entrado el concierto (faltaban como 15 minutos nada más) algo voló al escenario. Tobias lo recogió, lo examinó… era una camiseta hecha nudo para que volara. Y el pobre hombre se vio obligado a comentar esta “triste” realidad: “¡Esto no es de una mujer! Lo siento, pero soy heterosexual. No importa lo que hayan oído en la prensa, en internet, en los chismes y por ahí: ¡¡Yo me tiro exclusivamente a mujeres!!” Claro que si es cierto o no ya no me corresponde a mí desmentir, y la neta no me interesa averiguar.

Ahora bien, debo hacer mi típica aclaración: ¿qué es lo que TODO concierto tiene, sin importar qué banda sea, qué género de música sea, cuánto tiempo toquen? Claro, las canciones ausentes, ésas que te quedas esperando toooooda la noche y nunca llegan. En este caso fueron Chalice of Agony y Breaking Away. Pero bueno, eso ya habría sido demasiada belleza y perfección.

Nightwish

Bienvenidos…

Éste es el artículo de portada de la Dark de diciembre del 2007, ya que nuestras fuentes nos habían dicho que Nightwish venía en marzo… en realidad fue en mayo el concierto ¬¬

                                            

Los deseos pueden volver realidad

Nightwish, de Finlandia, es otra de esas bandas que cruzan la línea entre la escena oscura y la metalera. El punto que aparentemente logró esta alquimia tan difícil de conseguir fue tener a una vocalista femenina como eje principal de la banda, y a once años del nacimiento de este proyecto, es una de las agrupaciones más famosas del mundo en el género.

Un deseo nocturno

La idea original de lo que llegaría a ser Nightwish fue concebida en 1996, durante una noche de verano, cuando Tuomas Holopainen, líder de la banda y autor de la mayoría de las canciones, estaba con unos amigos alrededor de una fogata.

En ese momento, los únicos tres miembros del recién formado grupo eran Tuomas en los teclados, Emppu (su nombre real es Erno Vuorinen) en la guitarra –acústica– y Tarja Turunen en la voz. En esa época, Tarja no tenía ni idea de lo que era el metal. La invitaron al proyecto porque sabían que era de las mejores cantantes de la escuela a la que los tres asistían.

El nombre de la banda viene de una canción del mismo nombre que grabaron en su primer demo. El concepto del grupo era acústico, música del tipo que se escucha alrededor de las fogatas en un campamento, pero Tuomas decidió que la voz de Tarja era demasiado potente para algo así, por lo que modificó el estilo de la banda; así, a principios de 1997, la guitarra acústica de Emppu fue reemplazada por una eléctrica y el baterista Jukka Nevalainen se unió a Nightwish.

En ese mismo año el incipiente grupo firmó contrato con Spinefarm Records, disquera finlandesa especializada en bandas metaleras, y bajo este sello lanzaron su álbum debut, Angels Fall First.

Desde ese momento se distinguieron de entre “el montón” porque eran muy pocas las bandas de heavy que utilizaban como vocalista principal a una mujer, y más aun, con estilo completamente operístico.

Su primer concierto lo ofrecieron en diciembre en su ciudad natal, Kitee, pero sólo se presentaron siete veces más en ese invierno, porque Tarja no había terminado los estudios y tanto Jukka como Emppu debían completar su servicio militar.

Para el año siguiente, Sami Vänskä ingresó al grupo como bajista (en Angels Fall First Emppu tocó tanto la guitarra como el bajo) y salió al mercado su segunda producción, Oceanborn (1998).

Fue entonces cuando Nightwish se volvió más rápido y un poco más pesado. Otro cambio importante en la evolución de la banda fue el papel notoriamente menos protagónico que vinieron a ocupar las voces masculinas, pues si bien en su debut Tuomas canta a dúo con Tarja en algunos cortes, a partir Oceanborn fue ella quien llevó “la voz cantante”, por así decirlo; las escasas voces masculinas que incluían eran interpretadas por artistas invitados.

Para el fin del milenio, en 1999 grabaron su primer EP, Sleeping Sun (Ballads of the Eclipse), para el eclipse solar que hubo en Alemania ese año. La balada que da nombre al EP, Sleeping Sun, es uno de sus temas más famosos, y largamente buscado, debido además a que no era fácil de conseguir.

Con la llegada del nuevo milenio llegó también el nuevo trabajo de estos finlandeses, cuyo tercer álbum, Wishmaster (2000), fue nombrado disco del mes por la revista Rock Hard, ganándole el lugar de honor a las nuevas producciones de bandas como Iron Maiden y Bon Jovi, que salieron al mismo tiempo.

Ya habiendo consolidado su status en la escena, Nightwish no se durmió en sus laureles. Se pusieron multimedia con su primer álbum en vivo, disponible en DVD y CD, bajo el nombre de From Wishes to Eternity.

En el 2001 lanzaron su siguiente EP, Over the Hills and Far Away, incluyendo un cover de la canción homónima original de Gary Moore, dos temas inéditos y una nueva versión de Astral Romance, incluida en su álbum debut.

También en el 2001 Sami Vänskä fue despedido y Marco Hietala, quien lleva desde 1985 rockeando en bandas como Tarot y Sinergy, entró en su lugar.

La siguiente producción del grupo, Century Child (2002), contó por primera vez con la participación de una orquesta real (antes las partes sinfónicas eran hechas con sintetizador), y Tarja comenzó a utilizar un poco menos su estilo operístico dando paso a una forma más “rockera” de cantar.

Además en este álbum regresan los dúos, pero no es Tuomas quien canta junto a Tarja, sino Marco, quien con el paso de los años ha ido ocupando un lugar cada vez más importante en los álbumes, llegando incluso a ser la voz principal en algunos cortes.

El segundo DVD de Nightwish se titula End of Innocence (2003), y es un documental de dos horas relatado por Tuomas y Emppu, en el que se cuenta la historia de la banda y también cómo es la vida durante una gira. El DVD viene completo con las bromas pesadas que los integrantes se hacen antes de y durante las presentaciones.

En el verano de ese mismo 2003 Tarja se casó con el empresario argentino Marcelo Cabuli, y ahí comenzó el fin de una era.

El fin de una era

Nightwish vio llegar su éxito más grande hasta la fecha en el 2004 con Nemo, primer sencillo de su quinto álbum de estudio, titulado Once, y es en ese mismo año que la banda lanza su primera recopilación, llamada Tales from the Elvenpath, la cual incluye varios cortes que hasta entonces sólo estaban disponibles en sencillos.

Al año siguiente salió la segunda recopilación, Best Wishes – The Best of Nightwish, que incluye una versión regrabada de Sleeping Sun y una versión en vivo de High Hopes, original de Pink Floyd, con Marco en la voz.

En los primeros días del mes de octubre de 2005, y ya disfrutando de status de superestrellas no sólo en los círculos metaleros y oscuros, sino comerciales, se presentaron en México encabezando el primer Live N’ Louder Rock Fest, en el que se presentaron bandas con tanta trayectoria como Therion, Overkill y Rage, con quienes ya habían visitado nuestro país algunos años atrás que en aquella ocasión fue Nightwish quien le abrió a Rage.

Pero a menos de un mes de haber pisado la tierra del maíz, el 21 de octubre del 2005, después de un concierto ofrecido en Helsinki, Tuomas entregó a Tarja una “carta abierta” en la que se le informaba que a partir de ese momento dejaba de ser parte de Nightwish. La carta decía, entre muchas otras cosas:

“Para ti, desafortunadamente, los negocios, el dinero […] se han vuelto mucho más importantes [que la música].

“[…] Esta actitud me la demostraste claramente en las dos cosas que me dijiste en el avión en Toronto: ‘Ya no necesito a Nightwish’ y ‘recuerda, Tuomas, que podría dejar la banda en cualquier momento, avisándote sólo un día antes’.

“[…] Simplemente ya no puedo escribir más canciones para ti.

“[…] Tú nos dijiste que de cualquier forma, el próximo álbum de Nightwish será tu último. Sin embargo, los demás queremos continuar mientras la llama arda. Así que tampoco tiene caso que hagamos el próximo álbum contigo.

“[…] Nunca nos molestó el hecho de que no participaras en la composición ni los arreglos de las canciones; nunca, en 9 años, te presentaste a los ensayos con nosotros antes de entrar al estudio. Ni el hecho de que cuando estábamos de gira siempre quisieras volar aparte con tu marido. Ni el hecho de que eres indiscutiblemente la imagen de la banda.

“[…] Marcelo te ha convertido, de la chica adorable que eras, en una diva.

“[…] Siempre fuiste la única que quiso más dinero por los conciertos.

“[…] ¡Esta actitud de ‘compensación y más dinero por todo’ es lo que más nos decepcionó!

“[…] La decisión fue tomada unánimemente por los cuatro. Estamos más allá del punto en el que las cosas podían arreglarse hablando”.

Fue así que la banda más importante de Finlandia, probablemente no sólo de rock, sino en general, perdió a su vocalista, pero contrario a lo que muchos rumores dijeron durante un tiempo, y en línea con la propia carta, la historia del grupo no llegó a su final. Por el contrario, en su sitio web pusieron un aviso solicitando una nueva vocalista e invitando a cantantes de todo el mundo y de todo género a que enviaran sus demos.

Tarja dijo después, en dos conferencias de prensa, que la despedida la tomó completamente por sorpresa, puesto que no se le notificó más que en la carta, y que el hecho de hacer la carta “abierta” era “innecesariamente cruel”.

El último concierto que dio Tarja con Nightwish fue grabado y lanzado como CD, DVD y caja de 2 CD’s+DVD, titulado End of an Era.

Un nuevo inicio

Después de muchos meses de silencio, el 24 de mayo del 2007 fue anunciada de manera oficial la nueva vocalista de Nightwish: Anette Olzon, originaria de Suecia y frontwoman de Alyson Avenue, grupo que, con la salida de su cantante principal, se desintegró.

Dark Passion Play es el nombre del más reciente álbum de Nightwish, el primero con Anette como vocalista, y en él Marco contribuye aunque sea con segunda voz en todos los temas, con excepción de Amaranth, y en Master Passion Greed la suya es la voz principal.

El hecho de que Anette no posea el épico estilo operístico que caracteriza a Tarja no la hace desmerecer en calidad artística, aunque hay mucha gente que se ha quejado de que la banda se “afresó”, puesto que al escuchar Dark Passion Play podemos notar el estilo un tanto más “comercial” de la voz de Anette, a comparación del timbre dramático que aportaba Tarja.

Dark Passion Play es un álbum que fue lanzado en varias versiones, la normal, una edición especial que incluye un bonus track y un CD extra con todo el álbum en versión instrumental, y una edición para verdaderos coleccionistas que incluye un tercer CD con tres temas más.

Con el cambio de vocalista, Nightwish parece haberse “soltado el pelo”, pues para cuando Once salió al mercado, la banda ya no tenía ni de lejos aquel sonido que conquistó a tanta gente desde el principio, dejando en el aire una sensación de que el Nightwish que todos conocían y amaban había muerto, para ser reemplazado por un impostor que tenía su misma cara, pero no su misma alma.

Con Dark Passion Play el alma ha vuelto, y si bien es innegable que Nightwish nunca será lo mismo sin Tarja, ¿quién dijo que el cambio nunca es bueno? Estos finlandeses han retomado el camino que parecían haber perdido, y comienza una nueva era con nueva fuerza y nueva dirección.

Serpientes en el ruedo

Y ahora viene la reseña del concierto, que estuvo excelente, por cierto. Iba a ser publicada en El Economista, pero no salió a la mera hora, así que es otra exclusiva de la Cámara.

 

                                              

El viernes se presentó Whitesnake en la Plaza de Toros México, y a pesar de que hubo relativamente poco quórum (aunque en honor a la verdad tampoco estaba vacío el recinto) estos veteranos en la onda del rock “pesado pero fresa” presentaron su decimoprimer álbum de estudio (y el primero con material nuevo en 11 años).

El concierto inició con “Best Years”, del nuevo disco, y aunque soltaron muy pronto (para mi gusto) “Fool for your Loving”, clásicos como “Love ain’t No Stranger”, “Is This Love”, “Guilty of Love”, y nuevos temas como “Can you Hear the Wind Blow”, o “Lay Down your Love” pusieron a todos los asistentes a brincar y corearlos como si fueran parte del repertorio diario de sus vidas.

El infaltable solo de guitarra se convirtió a los pocos segundos en un duelo en el que Doug Aldrich y Reb Beach competían por ver quién podía tocar más notas más rápido. El bajista Uriah Duffy se les unió y Chris Frazier completó el cuadro con la batería.

Primero se dejó de oír el bajo y luego las guitarras, con lo cual nos quedamos escuchando el otro solo obligado en todos los conciertos de rock: el de batería.

Cuando David Coverdale, fundador y vocalista (y único miembro original que queda) regresó al escenario, “Crying in the Rain”, “The Deeper the Love” y “Ain’t No Love in the Heart of the City” fueron cantadas a todo pulmón por los asistentes, pero por supuesto, Here I Go Again fue el punto álgido de la noche, sólo superado por el espectacular cierre: “Burn”, original de Deep Purple (banda de la cual salió Coverdale para formar Whitesnake).

Aunque no faltó el despistado que creyó que el concierto continuaría con un repertorio de Deep Purple y pidió que interpretaran “Soldier of Fortune” hasta que se le acabó la voz, sus peticiones no fueron escuchadas. La Serpiente Blanca ya se había retirado a su madriguera.

Whitesnake en México

Bienvenidos…

Éste es el previo, escrito para El Economista, de la presentación que tendrá Whitesnake en la Plaza México este viernes 23 de mayo.

 

                                              

Qué bueno es ser malo

La legendaria banda británica de hard rock Whitesnake regresa a México, después de casi tres años de ausencia, por una sola noche y como parte de su gira mundial promocionando su nuevo álbum, Good to be Bad.

Fundado en 1978 por David Coverdale y Micky Moody, Whitesnake es una de las muy pocas bandas que aun mantiene vivo el género del hard rock.

El sonido del grupo ha sido comparado por críticos con Deep Purple, lo cual no es de extrañar si tomamos en cuenta que Coverdale y otros dos exmiembros de Whitesnake fueron parte de aquella banda, y que Deep Purple es de hecho una de sus grandes influencias musicalmente hablando.

Con esta gira mundial, Whitesnake ha agotado localidades en países como Argentina y Perú, y este viernes 23 de mayo en la Monumental Plaza de Toros México podremos comprobar por qué después de tres décadas siguen llenando arenas.

En el 2005 estos hombres le abrieron a Judas Priest en el Palacio de los Deportes, en lo que fue un concierto memorable de principio a fin, y en esta ocasión vienen con su propia gira para deleitarnos con su más grandes éxitos como “Here I Go Again”, “Is This Love” o “Slide It In”, además, por supuesto, de darnos una probada de lo que es Good to be Bad.

Viernes 23 de mayo
9 de la noche
Plaza de Toros México
Boletos en taquilla, en el sistema E-Ticket y en tiendas Blockbuster