Bienvenidos…

Éste es el previo de un concierto triple que tuvo lugar el año pasado. Publicado originalmente en El Economista.

Rock melancólico para todos los gustos

Este sábado 14 de octubre se presentarán en el Circo Volador tres bandas que darán gusto a todos los que quieran oír música melancólica, pero con diferentes toques.

A las 7:30 de la noche abrirá este triple evento el grupo Xandria, que con la aparición de su primer álbum, Kill the Sun, en el 2003, rápidamente ganó reputación en el mundo del metal gótico por su estilo parecido a Within Temptation (para quien no los conozca, son los “papás” de Evanescence), sin ser una copia al carbón.

Con la angelical voz de la vocalista Lisa Schaphaus-Middelhauve y las melódicas pero potentes guitarras que acostumbra, Xandria calentará los ánimos del público para recibir al siguiente evento.

Luego viene Stream of Passion, que apenas cuenta con un año de vida. El grupo es nuevo, pero el artista no: Stream of Passion es el nuevo proyecto del guitarrista Arjen Lucassen, veteranísimo que lleva desde los años setenta tocando en diversos grupos de heavy metal, como Bodine y Vengeance.

Ya en la década de los noventa, Lucassen inició proyectos más personales, siendo Ayreon su banda principal durante poco más de diez años, ya definiendo su estilo como metal progresivo.

Stream of Passion, su más reciente creación, nació en el año 2005, y a pesar de que Lucassen es holandés, la vocalista/violinista y el pianista del grupo son mexicanos. Marcela Bovio y Alejandro Millán, originarios de Monterrey, son parte activa de la banda regiomontana Elfonía, también de progresivo, al igual que Stream of Passion, y este sábado, en el Circo Volador, junto con Lucassen, demostrarán que el talento no sólo se encuentra en el extranjero.

Finalmente, el evento principal es Anathema, banda que en sus inicios, a principios de la década de los ‘90, tocaba una mezcla de doom y death metal, y su sonido ha ido evolucionando para, ahora, ser un rock atmosférico muy parecido a lo que hoy se denomina metal gótico.

Bienvenidos…

En el 2005 el mundo lloró la separación de Sentenced, y éste fue el previo de su concierto de despedida aquí en México. Publicado originalmente en El Economista.

El fin del camino de Senteced

Los finlandeses Sentenced, agrupación creada en 1988 y aclamada hasta el hartazgo en la escena del metal subterráneo, han decidido ponerle fin a su carrera juntos.

En este 2005, después de 17 años de carrera, ocho álbumes de estudio, dos EP’s, una recopilación y ni un solo álbum en vivo, Sentenced ha decidido despedirse de su público con The Funeral Album un disco mucho menos potente a lo que sus seguidores están acostumbrados, pero con mucho sentimiento.

La mayoría de las canciones tienen un dejo de nostalgia por su despedida, como “May Today Become the Day”, que abre el álbum, y “The End of the Road”, que muy convenientemente lo cierra, pasando por “Despair-Ridden Hearts”, canción más bien acústica y bastante melancólica, y la instrumental “Where Waters Fall Frozen”, que dura menos de un minuto y medio, y es una remembranza de sus días de Death Metaleros.

Como parte de su despedida, Sentenced hizo una última gira por Europa, tocando casi exclusivamente en festivales, en lugar de hacer una mega-gira mundial, y México tiene un lugar privilegiado. Este domingo 21 de agosto, en el Hard Rock Live de la ciudad de México, Sentenced pisará suelo azteca por primera y última vez en la historia, y dará la única presentación en vivo fuera del Viejo Continente. No se lo pierda. Es una oportunidad única.

Los Misfits celebran su 30 “Anniverscary”

Horas antes del concierto que Misfits ofreció el sábado por la noche, Jerry Only, bajista y volcalista de la banda, y ROBO (baterista), ofrecieron una rápida conferencia a los medios, en la cual dijeron que pronto saldrá un nuevo álbum de estudio, ya tienen algunas canciones, pero primero van a terminar la gira y después concluir el disco, que está programado tentativamente para el verano próximo.

Jerry comentó que México les encanta; que en Monterrey, donde tocaron el viernes, todo mundo traía una camiseta de Misfits, que su hijo le preguntó qué haría para detener la piratería y él contestó: “¡Nada! La gente compra lo que puede”.

También dijo, con respecto al happy punk (como Green Day, My Chemical Romance, AFI), que personalmente no lo escucha pero está feliz de que exista, porque son chavos que hacen lo que les gusta, y a pregunta expresa de qué escucha, si no happy punk, contestó que ya casi no escucha nada. Que bandas como Motörhead, Slayer, Pantera, tienen algunas canciones que le gustan, pero que no todas.

Ahí aclaró que si pones un disco y te saltas canciones, algo no está bien. Si lo pones completo o hasta repites canciones está cumpliendo su cometido, por lo cual espera que el próximo álbum sea el mejor que han hecho, porque se están esforzando por hacerlo así. Y dicho esto, se despidieron hasta la noche, no sin antes prometer que hay Misfits para muchos años más.

Pasadas las 10:30 de la noche salieron por fin al escenario a tocar un set muy completo, de más de treinta temas, y todos ellos éxitos, aunque el concierto en sí duró poco más de una hora y cuarto (tomando en cuenta que las canciones promedian dos minutos y medio). Aunque no faltó el inconforme que se quejara diciendo que la última vez que vinieron tocaron más de dos horas.

La noche inició con uno de sus clásicos, “Halloween”, y pasando por éxitos como “Astro Zombies”, que puso a brincar a todos los asistentes, “Kong at the Gates” (a mitad de la cual Jerry sostuvo en alto una bandera de México y la ovación o se hizo esperar), “Walk among Us” y “Crawling Eye”, entre muchas otras, cerraron triunfalmente con la obligadísima “Die Die my Darling”, que es tal vez su canción más conocida.

Bienvenidos…

Ésta es la reseña del álbum de Nenia C’alladhan que hice para Dark hace unos cuantos meses.

Nenia C’alladhan, la vida en vez de la muerte

Hace ya 5 años, en el 2002, Anna Varney, creadora y única integrante de Sopor Aeternus (el nombre completo del “grupo” es Sopor Aeternus & the Ensemble of Shadows) decidió dejar a un lado sus obsesiones con la muerte y Saturno y unirse con la compositora Constance Fröhling para crear un álbum diferente a lo que acostumbraba. El resultado de esta unión es Nenia C’alladhan, el cual es el nombre tanto del proyecto como del álbum.

Aunque las letras fueron escritas por Constance Fröhling, al igual que las melodías originales son obra de su mente, lo cual explica el tono un tanto más “ligero”, o menos fatalista, de las canciones, los arreglos y la música son creación de Anna Varney, lo cual explica por qué este disco fácilmente reconocible como Sopor Aeternus en esencia. El álbum cuenta, además, con no menos de siete músicos invitados, entre los que se encuentran miembros de Persephone.

En Nenia C’alladhan, tanto Constance como Anna fungen como vocalistas, intercalando sus partes y a veces cantando a dúo. Esto, en conjunto con la orquestación, básicamente ejecutada con instrumentos que evocan un ambiente medieval y le dan un toque mágico, dan como resultado melodías etéreas y en ocasiones casi alegres, que provocan internarse en un bosque esperando encontrar hadas, elfos y ninfas. Muy pocas veces en Nenia C’alladhan encontramos los desesperados lamentos que Anna Varney acostumbra usar en Sopor Aeternus, y menos el tono chillante de bruja que caracteriza tantas de sus canciones. Este álbum contiene en su gran mayoría la voz calmada y de hecho hermosa (si bien un tanto masculina, por obvias razones) de Anna, siendo el cuadro completado por las intervenciones de Constance.

Una reminiscencia de Sopor Aeternus que encontramos en Nenia C’alladhan es la presencia de lo que podríamos llamar “canciones repetidas”: El álbum contiene nueve canciones, de las cuales la número seis lleva por título “Sternblumennacht” (que podría traducirse como La noche de las flores de las estrellas), y la última, la número nueve, es “Sternblumennacht (a little closer to the original-version)” (La noche de las flores de las estrellas [un poco más cercana a la versión original]), de manera muy similar a las diferentes versiones que Anna acostumbra hacer de sus canciones en Sopor Aeternus. También encontramos Schwarzer Spiegel (Espejo Negro) y Schwarzer Spiegel II.

Aunque el álbum completo es una obra de arte, sublime y evocativo, tal vez las piezas más hermosas son An die Sterne (Hacia las Estrellas), que abre el álbum, Der See des Vergessens (El Lago del Olvido) y las dos versiones de Sternblumennacht.

Dos previos de Mägo de Oz, para dos eventos diferentes: su concierto en el 2006 y el Mägo de Oz Fest en el 2007. Publicados originalmente en El Economista.

Metal, celta y español, qué más

Mägo de Oz es una de las bandas españolas de heavy metal más reconocidas en Europa, y este viernes 5 de mayo se presentarán en la Plaza de Toros México para presentar su más reciente producción discográfica, Gaia II – La voz dormida (segunda parte de lo que será una trilogía).

Los madrileños de Mägo de Oz sobresalen por varias cosas en el mundo del metal español. Por un lado, casi todas sus canciones están en castellano, a diferencia de la mayoría de los grupos que, independientemente de su origen, cantan en inglés. Además, su estilo incluye marcadísimas influencias celtas, lo que da como resultado “metal celta” de indiscutible calidad.

Por último, tienen una tendencia a escribir álbumes conceptuales, repletos de crítica social y crítica a la Iglesia institucionalizada (que no a las creencias de la gente).

Entre estos álbumes destaca Jesús de Chamberí, ópera rock en la que Jesucristo es enviado a este barrio madrileño para refrendar su mensaje y derribar los muros de la opresión; La Leyenda de La Mancha, que como su nombre delata está basado en la máxima obra literaria en castellano, El Quijote; Gaia, álbum basado enteramente en la conquista de México, y finalmente La Voz Dormida, en la que se critican los métodos y la intolerancia de la Santa Inquisición.

Mägo de Oz ha sido objeto de diversas críticas debido a cancelaciones de sus conciertos en México en giras previas, pero haciendo de lado las especulaciones, lo que es seguro es que estos nueve españoles saben hacer lo suyo, lo han demostrado durante más de 10 años, y lo siguen demostrando. 

Mägo de Oz Fest, una oportunidad ¿única?

La banda más famosa de rock pesado en español, Mägo de Oz, originaria de Madrid, se dio a la tarea de juntar a varios grupos para hacer un evento aun más grande de los que acostumbra: un festival conformado por seis bandas de diferentes países y géneros, que incluyen España, Estados Unidos, México y Alemania, y que concluirá con dos horas y media del enorme espectáculo al que Mägo de Oz nos tiene ya habituados.

El Mägo de Oz Fest será un acontecimiento de proporciones épicas, puesto que iniciará a las 3 de la tarde con los estadounidenses de Cage, que abrirán el evento y dejarán al público ya acelerado con su power metal, para que en seguida los nu-metaleros españoles de Onassis Day, presentando su álbum homónimo, terminen de allanar el camino amarillo por el que habrán de transitar las demás bandas antes de llegar con el Mägo.

Los regiomontanos de Maligno vendrán después, para cubrirnos con la oscuridad de su doom metal… con tintes progresivos para darle variedad al asunto. Ya a medio camino hacia la Ciudad Esmeralda, los asturianos de Warcry nos regalarán algunos temas de su más reciente producción, La Quinta Esencia, que servirá como antesala para que U.D.O. (grupo alemán creación de Udo Dirkschneider, vocalista de la legendaria banda Accept, una de las agrupaciones más importantes en la historia del heavy) demuestre por qué lleva más de 30 años en este negocio.

Y ya entrada la noche, llegará por fin el culpable de todo, el grupo que le da nombre al festival, Mägo de Oz, que en esta ocasión promociona su recopilación “The Best Oz”, por lo cual podemos esperar un repertorio hecho a la medida de los fans.

El Mägo de Oz Fest se presentará en cuatro ciudades de la República, y es posible que sea una oportunidad única, pues hasta ahora no sabemos si éste será un evento de una sola vez en la vida o planean hacerlo anual, como el ya exitoso Monterrey Metal Fest, o el Live n’ Louder Rock Fest, que ya se están haciendo de un nombre como festivales de rock en México.

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El previo del concierto de Sisters of Mercy en el 2006, publicado originalmente en El Economista.

Leyenda gótica viviente

The Sisters of Mercy, una de las bandas más influyentes del rock gótico en los casi 30 años que lleva de existencia el género, se presentará este lunes 27 de febrero a las 9 de la noche en el Salón 21 de la ciudad de México.

Bauhaus, digan lo que digan los detractores, es oficialmente reconocido como el creador del gótico y Joy Division (o más bien su manager) le dio el nombre al género, pero fue Sisters of Mercy, grupo creado en 1980 por Gary Marx y Andrew Eldritch, el que le dio un sonido más parecido al rock que al post-punk del cual el gótico evolucionó originalmente.

Sisters of Mercy logró hacer música paradójica: al mismo tiempo que era depresiva y oscura, con letras solemnes y meditabundas, era rítmica y amigable a los oídos de audiencias más comerciales, gracias, entre otras cosas, a la adición (extrañamente) de percusiones electrónicas como las usadas en la música disco.

Este grupo originario de Leeds, Inglaterra, a pesar de contar con 26 años de historia, un EP y muchos sencillos, sólo tiene tres álbumes de estudio, una recopilación de lados B, y un “Greatest Hits”, todos anteriores a 1993.

¿Cómo es posible que un grupo musical que no ha grabado nada (oficialmente, puesto que existen varios bootlegs) en casi 15 años siga vivo y vigente? La respuesta es muy sencilla: Sisters of Mercy no se ha dormido en sus laureles, ni se ha estancado artísticamente. El grupo ha seguido dando conciertos y escribiendo nuevas canciones, que presentan en dichos conciertos, uno de los cuales estamos por disfrutar aquí, en México. No se lo pierda.

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Uno de los primeros previos de concierto que hice para El Economista, allá en el 2004, cuando Macbeth vino a México. Excelente concierto, por cierto.

Macbeth, desde Italia para México

Con un nombre que nos remite inequívocamente a una de las más grandes tragedias shakespeareanas, la banda de metal gótico Macbeth llega desde su natal Italia a tierra azteca para presentar su más reciente producción discográfica, Malae Artes.

El concepto de Macbeth fue creado en el verano de 1995 por el baterista y líder del grupo, Fabrizio, bajo el nombre de Land of Dark Souls, pero el sonido de la banda en aquellos días no satisfacía las expectativas de los miembros. Después de algunos cambios tanto en alineación como en estilo, por fin se decidió cambiar el nombre por el de Macbeth. Actualmente esta agrupación cuenta con siete miembros, que haciendo uso del contraste entre la voz masculina agresiva una soprano, logran atmósferas que hacen que el oyente se pierda en los acordes de su música.

Su primer álbum, Romantic Tragedy’s Crescendo, les dio reconocimiento en la escena gótica italiana, y el segundo, Vanitas, les abrió las puertas en el resto del mundo.

Macbeth pisará suelo azteca con Malae Artes, su tercer álbum, y se presentará el 31 de julio en el Circo Volador.

Bienvenidos…

La primera reseña de disco que hice para Dark fue acerca del nuevo proyecto de Johnny Indovina, y hela aquí.

Sound of the Blue Heart:
belleza auditiva directa al corazón

Sound of the Blue Heart es el nuevo concepto gestado en la prodigiosa mente de Johnny Indovina, quien fuera no sólo el cerebro, sino el alma y corazón de la desaparecida banda Human Drama, que entre 1988 y el 2002 dejó más de una docena de álbumes que no bien veían la luz se convertían en clásicos entre críticos y fans por igual.

Cuando Human Drama hizo su gira de despedida, Johnny Indovina anunció que ya tenía en mente un nuevo proyecto, pero dijo que aun no sabía cómo se llamaría, ni cómo sonaría, puesto que estaría dedicado a Human Drama hasta el último instante, y sólo cuando el ciclo del grupo terminara, se podría dedicar como se debe a su nueva idea.

Dos años después, en el 2006, el mundo pudo por fin escuchar el “Sonido del Corazón Triste” de Indovina, en la forma de su nueva banda, llamada precisamente Sound of the Blue Heart, y su primer álbum, titulado simplemente Beauty?…

Todo en esta vida es un proceso, y las cosas cambian para adaptarse al entorno o las circunstancias. Así como The Models evolucionó y cambió su nombre y concepto por el de Human Drama, Sound of the Blue Heart es la progresión natural de éste. Beauty?… suena a Johnny Indovina. No suena como un nuevo álbum de Human Drama exactamente, puesto que el grupo nunca definió al artista, sino al contrario. Johnny siempre le ha puesto su muy particular sello a todo lo que hace, y este álbum no es la excepción.

Beauty?… se puede apreciar el lado experimental que siempre ha caracterizado a Indovina, haciendo uso de instrumentos tan poco usuales como un vibráfono, y combinando efectos de todo tipo en los sintetizadores, además de la presencia de violines y cellos, que son perennes en su música. Además, fiel a su costumbre, no podía tener un álbum sin covers, por lo que de 10 cortes que contiene Beauty?… dos no son música original de él, a saber: “Pantomime Clown”, original de Damien Youth, y “Can’t get it out of my head”, original de Jeff Lynne. Sin embargo, también fiel a su costumbre, ambas canciones tienen todo el estilo melancólico por el que Indovina es conocido y amado.

Con Sound of the Blue Heart, Johnny Indovina continúa con lo que podríamos llamar su tesis (que ha venido desarrollando durante casi quince años y más de una docena de álbumes) sobre la naturaleza humana y los estragos que causan el amor, los sueños, la soledad y la esperanza, entre las otras tantas emociones que componen la frágil psique humana.

Beauty?… es un recorrido por paisajes musicales que inducen un estado onírico en el escucha, que nos hace escapar por un momento del ajetreado ritmo de la vida moderna y apreciar la belleza de los pequeños detalles, con cortes como “The Great Escape”, que abre el álbum, o “Love and its Sorrow”, con una frase que bien podría estar grabada en piedra: “todo lo que recuerdo del amor es su dolor”.

Bienvenidos…

Les presento lo primero que escribí para Dark. Salió publicado en el primer número de la revista como complemento al artículo principal (que no fue escrito por mí, así que no puedo postearlo aquí).

Cronología de The Gathering

The Gathering es una banda holandesa cuyos miembros son originarios de las ciudades de Oss y Nijmegen.

Los primeros dos álbumes el grupo entraban en la entonces naciente categoría de death/doom metal gótico, con voces guturales mezcladas con voz de soprano, pero con la entrada de la vocalista Anneke van Giersbergen, la banda cobraría nueva vida y dirección, alejándose cada vez más del gótico e incluso del metal y adentrándose en los terrenos del rock atmosférico.

Actualmente The Gathering está integrado por Anneke van Giersbergen en la voz, René Rutten en la guitarra, Marjolein Kooijman en el bajo, Hans Rutten en la batería y Frank Boeijen en los teclados.

Cronología:

1989 – Se forma The Gathering.

1990 – Lanzamiento del primer demo, An Imaginary Symphony.

1991 – Segundo demo, Moonlight Archer.

1992 – Aparición del álbum debut de la banda, Always…, bajo el sello Foundation2000.

1993 – Almost a Dance, segundo álbum y último con la vocalista Martine Van Loon, así como cualquier tipo de voz masculina.

1995 – Primeras grabaciones con Anneke, el sencillo Strange Machines y el álbum Mandylion, con su nueva disquera, Century Media.

1996 – Grabación del sencillo Adrenaline/Leaves entre el 30 de marzo y el 3 de abril, y lanzamiento del mismo.

1997 – Lanzamiento del sencillo Kevin’s Telescope, que incluye dos covers: In Power we Entrust the Love Advocated (original de Dead Can Dance), que aparece también en el tributo a Dead Can Dance The Lotus Eaters, y When the Sun Hits, original de Slowdive. En este mismo año aparecen el sencillo The May Song y el álbum Nighttime Birds.

1998 – Lanzamiento del sencillo Liberty Bell y el álbum How to Measure a Planet? , que consta de dos CD’s (sin ser edición especial). La canción que da nombre al álbum tiene una duración de 28 minutos y 32 segundos, y es el único álbum en donde Anneke toca la guitarra en dos canciones: My Electricity y Locked Away.

2000 – Lanzamiento de los sencillos Amity y Rollercoaster, y del álbum if_then_else, así como del primer álbum en vivo de la banda, Superheat, el cual contiene el video en vivo de Eleanor (primer track de Mandylion)

2001 – La primera recopilación de la banda, Downfall: The Early Years, contiene canciones de los dos demos del grupo, y aparece bajo el sello Hammerheart. 

2002 – El primer video de The Gathering, In Motion, aparece ya en formato DVD, aun bajo el sello Century Media (Anneke ha dicho en entrevistas que no se les pagaron regalías por este DVD, puesto que la disquera lo sacó sin consentimiento de la banda). Contiene la participación del grupo en el festival Dynamo de 1996, los videoclips de Leaves y Liberty Bell,  y un concierto en Cracovia. En este mismo año aparece Black Light District, EP de tres canciones, y es el primer material que el grupo lanza bajo su propio sello, Psychonaut Records, compañía que formaron después de salir de Century Media.

2003 – Souvenirs, uno de los álbumes más raros del grupo, pero también considerado de los mejores. La distribución de este álbum en Estados Unidos corrió a cargo de The End Records. Los sencillos You Learn About It y Monsters aparecen también en este año.

2004 – Century Media lanza otro disco en vivo, Sleepy Buildings – A Semi Acoustic Evening. Es la grabación de un concierto semiacústico ofrecido por la banda en el Lux Theatre los días 2 y 22 de agosto del 2003.

2005 – La segunda recopilación de la banda, Accesories – Rarities and B-Sides, también contiene nada más que rarezas, constando de dos CD’s, en el que el primero contiene los Lados B del grupo y algunas canciones difíciles de conseguir, como los covers del sencillo Kevin’s Telescope (When the Sun Hits y In Power we Entrust the Love Advocated), así como un cover de Life is What you Make it, original de Talk Talk, y el tema de la película The Cyclist (El Ciclista), entre otras. El segundo CD contiene versiones demos de canciones escritas para los álbumes Nighttime Birds y How to Measure a Planet? En este mismo año se lanza A Sound Relief, segundo DVD del grupo. Contiene un documental acerca de la historia de la banda, una entrevista, seis videoclips y un concierto. La distribución de A Sound Relief en Estados Unidos estuvo a cargo de The End Records. También aparece la reedición del álbum Mandylion, bajo el sello Century Media, en edición especial de dos CD’s, en el que el segundo disco contiene demos inéditos de la época de Mandylion.

2006 – El 18 de abril de este año salió a la venta el más reciente álbum del grupo, Home.

Trivia: 

- Black Light District cuenta con la participación de Sarah Jezebel Deva (quien ha colaborado con bandas de la talla de Cradle of Filth, Mortiis y Therion) en la canción que le da nombre al EP.

- Souvenirs incluye en el último track, A Life All Mine, un dueto de Anneke con Kristoffer Rygg (también conocido como Trickster G, y Garm, vocalista de Ulver y anteriormente de Borknagar y Arcturus).

- A Sound Relief es el primero de lo que serán dos DVD’s, el segundo se llamará A Noise Severe, y aunque se esperaba que éste saliera a mediados o finales del 2006, a la fecha no hay noticias de cuándo saldrá a la venta.

- En la película de terror de bajo presupuesto Scarecrow (2002), en una escena en la recámara del protagonista se ve en la pared un poster de The Gathering, aunque el grupo no participa en la película.

Bienvenidos…

Ahora vienen el previo y la reseña del concierto de Helloween el 2006. Publicados originalmente en El Economista.

El legado de Helloween

En 1987, la banda alemana Helloween cambió para siempre el mundo del heavy metal con el álbum Keeper of the Seven Keys – part I, y un año después, en 1988, se consagró como uno de los más grandes grupos metaleros del mundo con la “secuela”, Keeper of the Seven Keys – part II, dejando atrás el viejo sonido del heavy para crear lo que hoy conocemos como power metal.

Casi 20 años después de la aparición de estos álbumes, Helloween presenta el que tal vez sea el disco más esperado de toda su historia: Keeper of the Seven Keys – The Legacy, en forma de disco doble (editado en México por Scarecrow Records), y este viernes llegan a  México para presentar en vivo la tercera parte de la “serie” que los puso en los anales de la historia del rock.

Keeper of the Seven Keys – The Legacy, al igual que las primeras dos partes, es un disco conceptual. Al escucharlo completo, cuenta una historia más grande que la suma de sus partes, y aunque al principio se siente un tanto extraño, con cortes como “Occasion Avenue” y “Do you Know what you’re Fighting For?” que suenan un poco desfasados (al grado de que, en la primera, la música llega a ir a un tiempo y la voz a otro), es un buen álbum. Canciones como “Invisible Man” y “Pleasure Drone” nos hacen olvidar esos pequeños detalles y nos sumergen casi completamente en el Helloween de hace 10 años.

Helloween inició con el primer Keeper una tendencia que ha mantenido sin quebrantar desde entonces: en cada álbum hay al menos una canción de chiste, y en esta ocasión es “Mrs. God” (“Señora Dios”). La obligatoria balada hace acto de presencia en la forma de “Light the Universe”, que es especial porque por primera vez en su historia, Helloween incluye una voz femenina, siendo un dúo del vocalista Andi Deris con Candice Night, vocalista de Blackmore’s Night y esposa de Ritchie Blackmore (Deep Purple, Rainbow).

Helloween, todo un fenómeno

Dicen que es mejor calidad sobre cantidad, y en el caso de Helloween es completamente cierto. Helloween es todo un fenómeno.

El sábado por la noche presentaron en vivo su nuevo disco, Keeper of the Seven Keys – The Legacy, la largamente esperada tercera parte de esta saga musical, y aunque el concierto contó con catorce canciones, pero qué canciones.

La noche abrió con “King for 1,000 Years”, del álbum en cuestión, y siguieron cortes tan aclamados como “Hell Was made in Heaven”, “If I Could Fly” y “Mr. Torture”, “Eagle Fly Free”, “Keeper of the Seven Keys”, “Power”, además de “Occasion Avenue”, “Invisible Man” y “Mrs. God”, del Legacy, y la que no podía faltar: “I Want Out”, que es no sólo una de las piezas más conocidas del grupo, sino uno de los más grandes himnos rockeros jamás escritos.

El evento cerró con otra de las canciones más famosas de Helloween, pero no por su status de himno, sino porque es una de las primeras canciones de chiste de la banda: “Dr. Stein”, que habla acerca de un científico loco que crea músicos de rock y políticos que por las noches salen a hacer de las suyas.

Mención aparte merecen los obligatorios solos de guitarra y batería en este tipo de evento. El sentido del humor de Helloween no se limita a su música. Cuando tocó el turno al baterista Dani Löble de hacer gala de sus habilidades, el bajista Markus Grosskopf sacó una batería miniatura y se puso a hacerle competencia, descalificando el solo de Löble con gestos y ademanes de aburrimiento.

La historia se repitió al momento del solo de guitarra de Sascha Gertsner, con la diferencia de que quien salió a hacerle competencia con una guitarra miniatura fue el baterista, Löble.

Como dijo el fundador del grupo, Kai Hansen: “Halloween sólo viene una vez al año, pero a Helloween se le puede tener todos los días”. Lástima que en vivo es una vez cada tres años.