Los Archivos de la Cámara – parte V

Bienvenidos…

Estos son el previo y la reseña del primer Live n’ Louder Rock Fest de México. Publicados originalmente en El Economista.

 

                                              

Live n’ Louder, ¿por qué?

¿Por qué? Ésa es la pregunta obligada con respecto al Live n’ Louder Rock Fest, el primer festival “grande” de metal (y algo de rock colado) de la ciudad de México.

¿Por qué no asistir? Porque el concierto va a durar (al menos en teoría) por lo menos cinco horas. Porque van a ser más de cinco horas de miles de fans gritando y cantando junto con los proverbiales “gritos y tamborazos” de los intérpretes. Porque muy probablemente al terminar el concierto le duelan los oídos. O los pies de tanto estar parado, o la espalda de tanto estar sentado. O tal vez la garganta de tanto cantar.

¿Por qué sí asistir? Porque es una oportunidad única para ver a 6 grandes grupos en el mismo lugar, pagando solo un boleto. Porque cinco de las seis bandas que se presentan son leyendas del metal, y muchas de ellas vienen a nuestro país por primera vez en el marco de este festival.

El grupo estadounidense de metalcore Poison the Well abrirá el concierto, seguramente para atraer a la generación MTV, y ya calentados los ánimos, comenzarán las leyendas a demostrar de lo que son capaces.

Los también estadounidenses de Testament, los alemanes de Rage, los suecos de Therion y los finlandeses de The 69 Eyes y Nightwish prometen un espectáculo que dará gusto hasta al más exigente; los agresivos acordes del Thrash Metal, la rapidez del Power Metal, la grandiosidad del metal sinfónico e incluso la oscuridad del gótico asegurarán que el Live and Louder sea todo, menos aburrido.

¿Por qué asistir? Porque no importa por qué lado se vea (o mejor dicho, se escuche) el Live n’ Louder Rock Fest será todo un acontecimiento digno de presenciar. 

 

                                              

 Live n’ Louder, ocho horas de música

El Live n’ Louder Rock Fest fue una decepción, pero no por falta de calidad en los artistas, sino por la falta de público, que únicamente llenó lo que sería la cancha del Palacio de los Deportes. Sin embargo, las actuaciones fueron todas de primer nivel.

A la 3:30 de la tarde salió Poison the Well a dar todo lo que tienen… que en un festival de metal no es mucho. MTV al cien por ciento: camisetas negras, algunos brincos con las guitarras, música pesada, pero de Metal, nada. Algunos fans respondieron, pero en general no hubo mucho entusiasmo por estos oriundos de Florida. Tal vez sería que apenas se empezaban a calentar las cosas.

Después llegó Rage. Estos alemanes, con sólo dos guitarras y una batería (sin bajo), logran lo que la mayoría de las bandas no pueden, aun con instrumentos de más. Aunque desafortunadamente este grupo tampoco prendió tanto al público, por falta de seguidores más que de calidad musical, Rage demostró que no por nada llevan más de 20 años vigentes.

Los “Vampiros de Helsinki”, The 69 Eyes, hicieron su aparición a continuación, con una actitud  más de rockstars; durante su acto el vocalista hizo malabares con la base del micrófono, se subió a las bocinas, lo clásico. Fue hasta entonces que el público se empezó a animar, justo para dar paso a la “sorpresa” de la noche: en lugar de Testament, vino otra banda de Thrash legendaria, también de Estados Unidos: Over Kill, que no se había presentado en nuestro país en más de 10 años, pero que por fin logró que la gente coreara, brincara y gritara.

Ya eran las 8 de la noche cuando los suecos de Therion aparecieron en el escenario. Es toda una experiencia ver a Therion en vivo. Aunque las orquestaciones las traen en pista, (nadie es perfecto) su actuación siempre es impresionante, y esta vez no fue la excepción.

Fue Therion quien recibió la mayor ovación de la noche, incluso por encima de los finlandeses de Nightwish, que cerraron el festival. Pero es que para cuando salió Nightwish al escenario, ya los asistentes no podían más. Y sin embargo todavía fueron capaces de ovacionar con todas sus ganas al grupo, que tocó hasta los primeros minutos del domingo, cerrando triunfalmente el primer festival “grande” de metal de la ciudad de México.

Los Archivos de la Cámara – parte IV

Bienvenidos…

Esto lo escribí cuando vino Senteced a México en su gira de despedida. Estuvo simplemente impresionante, pero no hay reseña del concierto, sólo este previo. Publicado originalmente en El Economista.

 

                                              

El fin del camino de Senteced

Los finlandeses Sentenced, agrupación creada en 1988 y aclamada hasta el hartazgo en la escena del metal subterráneo, han decidido ponerle fin a su carrera juntos.

En este 2005, después de 17 años de carrera, ocho álbumes de estudio, dos EP’s, una recopilación y ni un solo álbum en vivo, Sentenced ha decidido despedirse de su público con The Funeral Album un disco mucho menos potente a lo que sus seguidores están acostumbrados, pero con mucho sentimiento.

La mayoría de las canciones tienen un dejo de nostalgia por su despedida, como “May Today Become the Day”, que abre el álbum, y “The End of the Road”, que muy convenientemente lo cierra, pasando por “Despair-Ridden Hearts”, canción más bien acústica y bastante melancólica, y la instrumental “Where Waters Fall Frozen”, que dura menos de un minuto y medio, y es una remembranza de sus días de deathmetaleros.

Como parte de su despedida, Sentenced hizo una última gira por Europa, tocando casi exclusivamente en festivales, en lugar de hacer una mega-gira mundial, y México tiene un lugar privilegiado. Este domingo 21 de agosto, en el Hard Rock Live de la ciudad de México, Sentenced pisará suelo azteca por primera y última vez en la historia, y dará la única presentación en vivo fuera del Viejo Continente. No se lo pierda. Es una oportunidad única.

Los Archivos de la Cámara – parte III

Bienvenidos…

Ésta es una entrada especial, ya que por única vez contendrá el artículo completo acerca de Lacrimosa que apareció en el número 5 de Dark.

 

                                              

Lacrimosa, paradoja oscura

¿Qué se puede decir de Lacrimosa que no hayamos ya escuchado un millón de veces? Esta banda, nacida de la mente prodigiosa y el alma atormentada del alemán radicado en Suiza Tilo Wolff, originalmente era él solo con un sintetizador, y fue creada con la intención de darle a los poemas que él escribía otra dimensión y una mayor profundidad, y el resto es historia.

 

El origen

En el año de 1990, la escena oscura suiza conoció lo que vendría a ser el demo de Lacrimosa, una cinta que ostentaba el nombre de Clamor. Con ella, Tilo Wolff y su proyecto se hicieron rápidamente de un nombre en la escena. Había llegado la hora de grabar el primer álbum.

Debido a que la mayoría de las disqueras pide a sus artistas aligerar su estilo, o hacerlo más parecido a grupos ya famosos, para hacerlo más comercial, Tilo decidió fundar su propia compañía, Hall of Sermon. Con ella, podría hacer con su proyecto lo que él quisiera, y cualquier otra banda que llegara a su puerta tendría completa libertad creativa.

 

Del Miedo a la Luz

Los álbumes de Lacrimosa siempre se han caracterizado por dos detalles en particular: El arte, que incluye como elemento perenne un arlequín, y el nombre, que siempre, sin excepción, es una sola palabra.

Angst (Miedo, 1991), Einsamkeit (Soledad, 1992) y Satura (Sátira, 1993) fueron los tres primeros álbumes de Lacrimosa, que contaron con Tilo Wolff como único miembro “oficial” del grupo, y tuvieron la participación de diversos músicos invitados.

El año de 1994 marcó un hito en la historia del grupo, ya que la finlandesa Anne Nurmi, vocalista, tecladista y miembro fundador del grupo Two Witches, llegó para quedarse, tanto en la vida de Tilo como en su música. A partir de entonces, Lacrimosa fue considerado un dúo.

Aquí comenzaron las discrepancias entre los fans, ya que mientras muchos apreciaron la inclusión de Anne, un gran número de ellos perdió el gusto por la música del grupo, argumentando que en cuanto llegó, Lacrimosa se “afresó”, ya que las letras de las canciones empezaron a tratar un poco más con el amor y un poco menos con la depresión.

Además, lo cierto es que, para bien o para mal, con su cuarto álbum, Inferno (1995), llegó el cambio más grande para Lacrimosa: la introducción cada vez más notoria de elementos metaleros en la música, y el cambio de sintetizadores por instrumentos sinfónicos.

También apareció otro elemento importante en el arte de las portadas: el personaje de Elodia, quien haría acto de presencia en tres álbumes: Inferno, en el cual sería ella el componente principal; Stille (Silencio, 1997), en donde se la puede ver en la parte de atrás, en una puerta tras bastidores, y finalmente el álbum Elodia (1999), donde podemos verla en brazos del arlequín.

Entre Stille y Elodia está Live, primer álbum en vivo de la banda, que salió al mercado en 1998, y contiene Darkness, canción que jamás ha sido grabada en versión de estudio (no aparece en sencillos, recopilaciones ni en ningún otro lado).

Elodia fue un álbum importante en la historia de Lacrimosa, porque es hasta la fecha su único álbum que podemos considerar conceptual, ya que fue concebido como una ópera-rock, dividida en tres actos. El primero narra una historia de historia de amor, ya marchito, que ve su final con la muerte de ella (asesinada por él) en el segundo acto, y el tercero presenta un réquiem por el amor perdido (Sanctus) y al final la esperanza de que todo estará bien y ambos quedarán reunidos. Además, este álbum tuvo la participación de la Orquesta Sinfónica de Londres, con la que no cualquier artista se da el lujo de trabajar.

Después vinieron Fassade (Fachada, 2001), Echos (Ecos, 2003) y finalmente Lichtgestalt (Ser de Luz, 2005), donde vemos en la portada un hombre con alas de murciélago arrodillado, y en la contraportada el traje del arlequín sobre una roca. ¿Será que viene la evolución de Lacrimosa, al igual que la del arlequín? Además, muy pronto llegará el segundo disco en vivo, Lichtjahre (Años de Luz).

En todo caso, la música de Lacrimosa siempre se ha caracterizado por sus constantes cambios, que sin embargo nunca han sido tan drásticos como para notar un giro de 180 grados entre un álbum y otro.

Angst y Einsamkeit vieron énfasis en el uso de sintetizadores, con muy pocas guitarras o batería. Satura e Inferno fueron los primeros intentos de adentrarse en los terrenos metaleros, conservando la densidad característica del principio.

Stille y Elodia tuvieron una mayor carga de elementos sinfónicos, pero también de guitarras, con lo que podrían ser casi considerados metal sinfónico; y Fassade ha sido el álbum más pesado, “duro”, como alguna vez lo describió el mismo Tilo Wolff, hasta la fecha. Echos, por otro lado, volvió al terreno sinfónico, pero en un terreno más suave, siendo el álbum más “calmado”. Finalmente, Lichtgestalt nos entregó una obra que combina los elementos de todos los álbumes anteriores.

 

La ruptura

No, no la de Lacrimosa como grupo. Por ruptura nos referimos al cisma que se generó entre los fans con la entrada de Anne Nurmi a la banda. Tal vez fue coincidencia, tal vez no, porque desde su primer álbum, Lacrimosa había incluido voces femeninas y guitarras.

Lo cierto es que así como ganó seguidores, también los perdió, ya que para los góticos por decirlo de alguna manera más estrictos, el grupo perdió ese “algo” que lo hacía tan especial, ya que ahora sonaba como metal. Sin embargo, para los metaleros más estrictos, Lacrimosa nunca ha tocado metal. Y hasta la fecha no es considerado metal.

De cualquier forma, la banda se ha mantenido por más de 15 años en el gusto del público, y sus más fieles seguidores no se preocupan por las etiqueta, sino por la música y las emociones que ésta les despierta.

 

El Réquiem

Lacrimosa toma su nombre de la misa de Réquiem, la cual, al final de la secuencia del Día de la Ira (Dies Irae), reza: Lacrimosa dies illa / Qua resurget ex favilla / Judicandus homo reus. / Huic ergo parce, Deus: / Pie Jesu Domine, / Dona eis requiem. Amen. (Día de llanto es aquél / en el que se levantarán de las cenizas / Los culpables para ser juzgados. / Así que ten misericordia, oh Dios, de ellos. / Misericordioso Señor Jesús, / Concédeles descanso. Amén)

Es por esto que no extraña la afinidad de Tilo Wolff por este “género” musical, que se hace patente a lo largo de toda la obra de Lacrimosa, como podemos ver en Angst, que contiene precisamente Requiem, Elodia, con su Sanctus, y Echos, que abre con Kyrie (Sanctus y Kyrie son también partes integrales de la misa de Réquiem).

 

Cambio de Piel

Hace ya tres años, en el 2004, Tilo Wolff dio por fin rienda suelta a la creatividad que no tenía cabida en Lacrimosa, y en México presentó su proyecto alterno, Snakeskin (sin Anne). El primer álbum, Music for the Lost, es una muestra de que este hombre no sólo sabe hacer música sinfónica, ni rock, ni gótico, sino que también tiene mucho que ofrecer en los terrenos del electro/industrial, con canciones bailables, pero también algunas lentas, densas, que recuerdan mucho a lo que fue Angst, pues no pierden ese toque oscuro. Dos años después,  en el 2006, la Serpiente regresó, en esta ocasión incluyendo en su segundo álbum, Canta’tronic, a la soprano Kerstin Doelle, quien le dio un aire aun más etéreo a este nuevo esfuerzo.

 

Lacrimosa para México

Un detalle algo curioso es que Lacrimosa ha tenido más éxito en México que en ninguna otra parte del mundo, tal vez incluso más que en su natal Alemania, y no parece haber ninguna razón específica, pues la mayor parte de sus seguidores coincide en que les gusta la forma en que están construidas las canciones, la variedad que éstas tienen, la atmósfera que crean. Las letras en general y la voz de Tilo Wolff son otro factor importante, pero esto no es en realidad nada fuera de lo común. Sólo podemos creer que su música hace una especie de reacción química con el mexicano. Y ellos lo saben, y lo aprecian.

Es tal el cariño que hay entre Lacrimosa y México, que Durch Nacht und Flut (A Través de la Noche y los Mares), del álbum Echos, tiene una versión que incluye la última estrofa en español, y ésta fue escrita y grabada especialmente para los fans de México. Además, The Singles Collection, compilado de dos discos que incluye todos sus sencillos, fue hecha especialmente para nuestro país. No hay muchos artistas que nos demuestren su afecto así, y eso hay que reconocérselo a esta banda, que sólo trasciende las fronteras musicales, sino también las del idioma e incluso la ideología.

Los Archivos de la Cámara – parte II

Bienvenidos…

Aquí les presento algunas reseñas de álbumes que hice para El Economista hace ya un muuuy buen rato. Las primeras dos nunca vieron la luz, así que son exclusivas de la Cámara de la Tortura (¡yahoo!).

 

                                              

Angelzoom, los ángeles también cantan

Angelzoom es el proyecto solista de Claudia Uhle, quien fuera vocalista del grupo alemán de pop X-perience, y en su primer álbum se aleja del sonido pop de su banda para adentrarse en terrenos más etéreos, y utilizando su voz de soprano en una forma casi operística, dando como resultado un disco difícil de definir, pero que muy probablemente podríamos clasificar como New Age.

El album abre con Turn the sky, canción que cuenta con la participación nada más y nada menos que de Apocalyptica. Continúa con Back in the moment, en la que Claudia hace dúo con Joachim Witt, y después viene el primer cover: Blasphemous rumours, original de Depeche Mode, con el estilo totalmente transformado, convirtiéndola en una pieza totalmente ambiental.

Más adelante tenemos otro cover, que se aleja aun más de la versión original: Crawling, de Linkin Park.

La última pieza del álbum es Peace of mind, sacada directamente de la película Alone in the Dark.

Angelzoom es un disco que a ratos puede volverse algo monótono; sin embargo, tiene momentos de gloria que lo hacen una buena elección para una tarde lluviosa.

 

                                              

Del Hades a la Tierra, Persephone

También dentro de la música gótica hay variantes, y en el lado más melódico de este oscuro género encontramos Persephone, proyecto de Sonja Kraushofer, vocalista del grupo alemán L’Ame Immortelle, y Wim Leydes, exguitarrista de la agrupación angelina Christian Death.

Persephone toma su nombre de la esposa del dios griego Hades, y forma no sólo un grupo musical, sino todo un concepto, el cual consta de tres álbumes que se complementan y cierran el círculo, tal como el regreso de Perséfone a la tierra cada año traía la primavera al mundo.

Home es el primer álbum de este concepto, en el cual sobresalen The day you went away, The man who swallowed my soul, ambas piezas tristes y depresivas; Forest song, con muy apropiados efectos de bosque al fondo; y Reflection, donde predomina el acordeón y la voz de Sonja se torna más agresiva, y Coming Home, canción melancólica pero menos oscura que el resto del álbum.

 

                                              

Bleed like me, el regreso de Garbage

Después de casi cuatro años de ausencia, Garbage, agrupación conformada por Shirley Manson, Atreve Marker, Duke Ericsson y Butch Vig por fin rompe el silencio con una nueva producción discográfica, titulada Bleed like me (Warner Music, $195), para demostrarle a su público por qué son quienes son, y que los diez años transcurridos desde la aparición de su primera producción (1995) no han logrado envejecerlos, sólo mejorarlos.

Desde el primer acorde del álbum notamos que Garbage ha dejado atrás la etapa experimental que fue su anterior producción Beautiful Garbage, para volver al sonido rockero que siempre los caracterizó. Bad boyfriend, track abridor del álbum, nos sumerge de inmediato en el Garbage clásico, con poderosos acordes de guitarra y la sensual voz de Shirley Manson completando el cuadro. Inmediatamente después viene Run baby run, algo más melodiosa, pero sin perder la fuerza característica del grupo, y recuerda algo más al álbum Version 2.0.

Otro de los cortes sobresalientes es Why do you love me, con muy marcados tintes de punk, pero conservando el inconfundible estilo de Garbage en cada nota; le sigue Bleed like me, que además de dar nombre al álbum tiene un dejo de experimentación que recuerda a su anterior producción. Metal Heart parece sacada directamente del primer álbum de la banda, con Shirley cantando en el tono bajo y misterioso de sus inicios, seguida por Sex is not the Enemy, todo un himno contra la represión sexual.

Por supuesto, no podía faltar la obligatoria balada, y el lugar de honor lo ocupa It’s all over but the crying, que lo hace a uno preguntarse si en realidad es una balada, o una canción depresiva, o hasta deprimente. Pese a esto, es una de las mejores canciones del álbum.

Para recuperarnos del bajón, la recta final del disco tiene The boys wanna fight, que recupera el ritmo pero sin subir de tono tan bruscamente; Why don’t you come over continúa con la misma línea, preparándonos para Happy home, que inicia lentamente, con guitarra acústica, pero poco a poco va aumentando de intensidad hasta convertirse en el broche de oro de Bleed like me, el regreso de Garbage.

 

                                              

Más de Iron Maiden

Death on the Road es el más reciente álbum en vivo de la banda inglesa de heavy metal Iron Maiden. Grabado en Dortmund, Alemania, durante la gira Death on the Road, este disco doble incluye cortes de Dance of Death (2003) el disco de estudio más reciente del grupo, así como los tracks obligados en cada uno de sus álbumes en vivo, canciones que hicieron de Iron Maiden una de las bandas más legendarias en el heavy metal.

Muy recomendable para los fans de esta banda que ya conocen la música y quieren tener otra versión en vivo (hay más de seis) de las canciones, o tener la primera versión en vivo de “Rainmaker” y “Dance of Death”, sencillos extraídos del álbum de 2003.

 

                                              

Alice Cooper no estaba muerto, andaba de parranda

Uno de los rockeros más viejos del mundo (y no tanto por edad, sino porque lleva más de 35 años cantando), el hombre que reinventó el rock, agregándole guillotinas, boas constrictor, sillas eléctricas y maquillaje, y lo redefinió como “shock rock” (cuya escuela siguen artistas como Kiss y Marylin Manson), Alice Cooper, regresa en el 2005 con un nuevo disco.

Después de haber experimentado en el 2000 y 2002 con un sonido más oscuro, con toques de industrial (con Brutal Planet y Dragontown), este “shock rocker”, como él mismo se denomina, regresa a su estilo clásico en este álbum, Dirty Diamonds.

Aunque contiene canciones como “Woman of Mass Distraction”, que abre el álbum, y el sencillo “Sunset Babies (All Got Rabies)”, que suenan inconfundiblemente al Alice Cooper clásico de los 80 y 90, Dirty Diamonds no es un álbum monótono. Alice Cooper se da el lujo de experimentar y con buenos resultados, como en la canción que da nombre al disco; en “The Saga of Jesse Jane”, que es una balada country; “Pretty Ballerina”, cover de 1966 del grupo The Left Banke, e incluso en el bonus track del álbum, “Stand”, canción hecha a dúo con el rapero Xzibit.

¿Quién dijo que Alice Cooper estaba muerto? Sigue con tanta energía como hace 30 largos años, y continúa demostrando que todavía puede enseñarle mucho a las nuevas generaciones de músicos de todos los estilos.

Los Archivos de la Cámara – parte I

Bienvenidos…

Ok, ésta es una serie de entradas que a las que le tendré que seguirle la pista, pues contendrá todo lo que he publicado ya en otros lados pero para este momento ya son noticias viejas… algunas son MUY viejas. Por eso son Los Archivos de la Cámara.

Ésta es una entrevista que hice para El Economista, pero que nunca fue publicada, así que aquí está, completita, y en exclusiva para la Cámara de la Tortura.

 

                                              

Scarecrow, una empresa con historia

 

Scarecrow Records es una compañía que representa a las mejores bandas europeas de metal subterráneo en México, conjuntando a las grandes disqueras del Viejo Continente, desde BMG Alemania hasta Season of Mist en un solo lugar.

Esta empresa que está cobrando mucha fuerza en nuestro país, junto con la escena del metal, y tuvimos oportunidad de platicar con el label manager de esta empresa, Ayu Dávalos Ruiz, quien comentó acerca de los orígenes de esta disquera, que surgió hace casi 20 años como un local de venta de música en un bazar, y con el tiempo grupos mexicanos como Cenotaph se pusieron en contacto con el dueño, Alejandro Liera, para discutir la posibilidad de grabar álbumes, pues tenían problemas con su compañía disquera.

Para 1996 comienza la primera grabación con esta incipiente compañía, Oz Productions, que luego se convertiría en Oz Records, y para entonces ya la empresa era distribuidora. En esa época Oz sacó al mercado casi una docena de discos de bandas mexicanas, ya que tanto las grandes compañías como las tiendas se negaban a firmar y distribuir estos discos por ser Death Metal, y además mexicano.

En el año 2000, con la entrada en vigor del euro, la crisis económica del país, las modificaciones arancelarias, etc, y ya cansados de batallar con las bandas, las distribuidoras, los mayoristas, se decidió que era más factible producir discos en lugar de importarlos. En febrero del 2001 salieron a la venta los primeros discos con el sello Scarecrow, y desde entonces la empresa ha crecido y ha expandido sus horizontes.

- ¿Cuál es el trabajo que realizan ustedes como licenciatarios, a diferencia de una distribuidora?

- Nosotros no nos involucramos en la producción del disco (grabación, master, portada). Más bien lo maquilamos, a veces agregamos bonus tracks; promocionamos el disco. Las distribuidoras no promueven.

Para los bonus tracks a veces pagamos una cuota extra, a veces la compañía nos los da, depende de cada caso. Muchos de nuestros discos traen mejores cosas que los europeos y los estadounidenses. Es una forma de combatir el malinchismo (la gente prefiere comprar un disco hecho en México que les da más por su dinero). Antes las versiones mexicanas de los discos eran más feas, la presentación era francamente mediocre, y Scarecrow trata de darle más al consumidor.

- ¿Cómo fue el proceso de división de sólo Scarecrow a Over the Rainbow, Witch of the East y Witch of the West?

- Muchas compañías y bandas ya querían traer sus productos, y las divisiones se hicieron para poder abarcar un mayor mercado y tenerlo más definido. Había discos o grupos que no encajaban bien en el estilo de Scarecrow.

Acerca del crecimiento que ha tenido la compañía, comentó que es gracias al público que ahora tienen presencia en tiendas especializadas de discos. “Los metaleros no aparecen en los charts de popularidad porque a los medios no les interesa, pero el Metal es el movimiento de música ‘independiente’ más grande de todo el mundo. Esto es porque el metalero es más fiel. No les interesa tener el éxito del momento, sino la música. Son fans del artista, del arte, no de los ‘one hits’ artificiales”.

Sobre la piratería, dijo que “les afecta mucho, pero menos que a otros artistas. La gente se está perdiendo de bandas, discos, conciertos, mejores ediciones, por la piratería. Al final no sólo pierde el artista y la compañía. El público pierde. Combatir la piratería fue desde el principio el objetivo primordial de Scarecrow. Un disco hecho en México es más barato que uno importado, y tenemos la calidad suficiente y el precio para que el consumidor prefiera comprar el disco original sobre uno pirata, la música que comercializa Scarecrow no es desechable: el Heavy Metal ha durado 30 años, y los que le faltan. No es ‘éxito del momento’; la gente que creció en los años sesenta y setenta está tomando el control de las empresas, son ejecutivos, gerentes, incluso directores, y lo que oían cuando estaban creciendo era Heavy Metal. Y lo siguen oyendo. Eso es algo que hay que tomar en cuenta” concluyó.